1. ライブ文化の閉鎖性と経済的ハードル
完全チケット制が主流：多くのライブハウスでは、ゲストリスト枠が一切なく、知人でも無料で入れないことが多い。
価格設定が高め：知らないバンドを見るために4,000〜5,000円払うのは心理的ハードルが高く、偶然の出会いや「試し聴き」が起こりにくい。
フリーエントリーの文化が希薄：欧米のように「1ドリンクで入場可」「早い時間は無料」などの柔軟な運営が少ない。
少なくとも数枠のゲストリストを設けることで、音楽との偶然の接触機会が増え、文化的な裾野が広がる可能性があります。
2. 公共空間での音楽体験の乏しさ
ストリートライブやバスキングの規制：許可制が厳しく、自由に演奏できる場所が少ない。
公園や駅前での音楽禁止：騒音とみなされることが多く、音楽が「迷惑行為」とされがち。
音楽フェス以外の場が限られる：日常的な空間で音楽に触れる機会が少なく、特別なイベントに限定されがち。
3. 教育やメディアの影響
音楽教育が「鑑賞型」中心：自分で演奏したり、即興で楽しむ文化が育ちにくい。
メディアの商業偏重：テレビやラジオでは大手事務所のアーティストばかりが流れ、インディーや実験的な音楽が世間一般に届きにくい。
4. 都市構造と時間感覚
通勤・通学が忙しく余裕がない：音楽を聴く時間が「移動中のBGM」に限定されがち。
住宅事情で音楽が制限される：集合住宅では楽器演奏が難しく、音楽が「家で楽しむもの」になりにくい。
これらの事例は、日本において音楽を含む芸術全般が、日常生活と密接な関係に無いことを象徴している。
どうすれば音楽がもっと身近になるか
ライブハウスがゲストリスト枠を設けることで、偶然の出会いや口コミが広がる。
公共空間での演奏許可の柔軟化や、地域イベントでの音楽導入。
学校教育での即興・創作型音楽体験の導入。
メディアが地域アーティストやライブ情報を紹介する枠を持つ。